Archivo categoría Críticas cinéfilo-teatrales

Pirandello, reflejado en la ESAD sevillana


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: LA FUNCIÓN POR HACER
AUTORES: Miguel del Arco y Aitor Tejada (Adaptación libre de Seis personajes en busca de autor, de Luigi Pirandello).
COMPAÑÍA: Escuela Superior de Arte Dramático de Sevilla (Alumnos de 3º de Interpretación y de 3º de Escenografía).
REPARTO: Elena Viña, Sergio Capitán, Marta Torres, Iván Morales Marcos, Eva de la Rosa, Carmiña Pérez y Miguel Aragonés.
DIRECCIÓN: Merche Serrano (Profesora).
CARACTERIZACIÓN: María Bueno.
ILUMINACIÓN: Sandra Moreno.
PRODUCCIÓN: Irene Cudía.
VESTUARIO: Marta Cardoso.
UTILERÍA: Elena Ciurleo y Martina Perrone.
MÚSICA Y ESPACIO SONORO: Inmaculada Almendral.
ADAPTACIÓN Y DRAMATURGIA: 3º Interpretación (Escena de El show de Truman, de Peter Weir y Andrew Nicol).
PROFESORADO: Merche Serrano (Taller de Interpretación), Mª Luisa Jiménez (Asistente de voz), Magüi Frade (Asistente de movimiento), Emi Caramé (Iluminación), Ramón Ortega (Escenografía y Producción) y Mar Herrera (Figurinismo).
GÉNERO: Tragicomedia
LUGAR: Sala Lorca de la Escuela Superior de Arte Dramático (Sevilla).
DÍA: 22-3-2018
DURACIÓN: Aproximadamente 80 minutos.
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

Como si de un bucle en el tiempo se tratase, vuelvo a escribir para alabar, de forma merecida, los excelentes valores artísticos de la cantera de la Escuela Superior de Arte Dramático de Sevilla (ESAD, de ahora en adelante).

Es el cuarto taller del que he tenido el placer de disfrutar, entre el curso pasado y éste, todos ellos de diferentes grupos y promociones, y no puedo por menos que decir que el resultado también ha rozado la excelencia, lo que dice mucho no solo de estos chicos de 3º DE INTERPRETACIÓN Y 3º DE ESCENOGRAFÍA, sino también de sus profesores.

En esta ocasión, con la adaptación libre que MIGUEL DEL ARCO y AITOR TEJADA realizaran allá por 2009 de la conocida obra de Luigi Pirandello Seis personajes en busca de autor, titulada LA FUNCIÓN POR HACER. También a ellos hay que darles los parabienes. Leer el resto de la entrada »

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A la salud de ‘Juan -de Mesa- del Gran Poder’


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: EL HOMBRE QUE ESCULPIÓ A DIOS
AUTOR: Fernando Carrasco.
COMPAÑÍA: La Contenida.
REPARTO: Juan Collantes de Terán Donoso (Juan de Mesa), Pedro García Mendoza (Juan Martínez Montañés), Mario Boraita (Gamazo) y Candela Cruz (María Flores).
DIRECCIÓN: Gustavo A. García.
GUIÓN Y DRAMATURGIA: La Contenida y Fernando Carrasco
MÚSICA Y DISEÑO DE SONIDO: Francisco José Cuadrado
BOCETOS: Juan Núñez y Eugenia Collantes de Terán
ESCENOGRAFÍA: La Contenida.
EQUIPO TÉCNICO: Juan Valladares y Miguel Ramírez.
DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Antonio Villar.
VESTUARIO: Pepe Vázquez.
MAQUILLAJE: Marta Rodríguez Ferrete.
IMAGEN DEL CARTEL: Álvaro Rodríguez Galán.
DISEÑO CARTELERÍA: Mamen Ramírez y Mariano Mejías Garrido
GÉNERO: Drama
LUGAR: Teatro Távora (Sevilla).
DÍA: 16-3-2018
DURACIÓN: Aproximadamente una hora.
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

Una pequeña joya esta EL HOMBRE QUE ESCULPIÓ A DIOS, puesta sobre las tablas en los albores de la Semana Santa, la que nos ha ofrecido “LA CONTENIDA”; así, y no de otra forma, cabría calificarla.

Es el tercer año consecutivo que esta compañía presenta en Sevilla la adaptación teatral de la novela de FERNANDO CARRASCO, que cuenta los avatares de Juan de Mesa, circunstancias profesionales y personales, para poder dar forma, “hacer hablar”, a la que para muchos es la figura escultórica más importante de la imaginería e iconografía religiosa del Barroco y de toda la llamada “semana grande” de Sevilla: el Señor del Gran Poder.

Pese a que ya habían estado en la capital andaluza los dos años anteriores -2016 en el Hospital de la Caridad y 2017, como ahora, en el Távora- no había tenido la ocasión de disfrutar de este montaje que me llamaba la atención tanto por el propio personaje protagonista -cuyo Gran Poder, además de ilustrar año tras año la “Madrugá”, pude estudiar someramente en mis tiempos del instituto gracias a la asignatura de Historia del Arte- como por la presencia en el elenco de mi amiga CANDELA CRUZ. Leer el resto de la entrada »

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La modestia no reñida con el arte


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: LA NOCHE DIVIDIDA
AUTOR: Paloma Pedrero.
COMPAÑÍA: La Mirada Teatro.
REPARTO: Elena Viña (Sabina) y José Téllez.
DIRECCIÓN: Manuel Romero.
ESCENOGRAFÍA: Kassandra Romero y Lorena Cabrera.
COMPOSITORA: Inma Almendral del Río.
DISEÑO Y TÉCNICA DE ILUMINACIÓN: Kassandra Romero.
TÉCNICA DE SONIDO: Lorena Cabrera.
PRODUCCIÓN: La Mirada Teatro.
VOZ EN OFF: Moncho Sánchez-Diezma.
GÉNERO: Comedia dramática
LUGAR: Sede Viento Sur Teatro (Sevilla).
DÍA: 3-3-2018
DURACIÓN: Aproximadamente 50 minutos.
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

Es bastante fácil, hasta cierto punto, acercarse a cualquier espacio teatral mínimamente renombrado para ver algún trabajo de cualquiera de las compañías profesionales más reputadas a nivel nacional. En esos casos, no siempre pero sí como norma general, uno sabe que va a asistir a espectáculos cuya calidad suele estar bastante acorde tanto con el nombre de la compañía en cuestión como del texto llevado a las tablas.

Pero cualquier amante del teatro debería de vez en cuando dejarse caer por esos otros espacios más allá de los grandes escenarios -y Sevilla no es Madrid, pero aquí también hay bastantes de ese tipo-; o frecuentarlos, directamente. Si no lo hace, a mi modo de ver estaría cometiendo un error, porque en más de una ocasión se encontraría con gente que, sin tanta experiencia, sí que destila arte por los cuatro costados.

Es el caso de LA MIRADA TEATRO, compañía emergente -haciendo también alusión al ciclo teatral organizado por Viento Sur Teatro- de reciente creación en la que la juventud, valía y ganas de trabajar de sus componentes deberían darles un futuro más que prometedor en las artes escénicas, bien como el grupo que ahora son, bien por separado.

Estos chicos, brillante cantera de la Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Sevilla, nos han ofrecido durante este fin de semana su versión de LA NOCHE DIVIDIDA, texto de Paloma Pedrero en el que predomina el género dramático, presentado con buenas dosis de comedia. Leer el resto de la entrada »

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El clasicismo de Lope y de Eduardo Vasco


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: EL CABALLERO DE OLMEDO
AUTOR: Lope de Vega.
COMPAÑÍA: Noviembre Teatro.
REPARTO: Daniel Albaladejo (Don Alonso, el Caballero de Olmedo), Arturo Querejeta (Tello), Fernando Sendino (Don Rodrigo), Rafael Ortiz (Don Fernando), Isabel Rodes (Doña Inés), Elena Rayos (Doña Leonor), Charo Amador (Fabia), José Vicente Ramos (Don Pedro) y Antonio de Cos (Rey/músico).
VERSIÓN Y DIRECCIÓN: Eduardo Vasco.
ESCENOGRAFÍA: Carolina González.
VESTUARIO: Lorenzo Caprile.
ILUMINACIÓN: Miguel Ángel Camacho.
MÚSICA Y ESPACIO SONORO: Eduardo Vasco.
MAESTRO DE ARMAS: José Luis Massó.
AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Daniel Santos.
LUGAR: Teatro Lope de Vega (Sevilla).
DÍA: 16-2-2018
DURACIÓN: Aproximadamente 100 minutos.
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

He de confesar que tenía yo ganas de verme de nuevo cara a cara con EL CABALLERO DE OLMEDO. Anteriormente a éste yo había tenido la ocasión de contemplar otros dos montajes anteriores de uno de los títulos punteros de don Félix Lope de Vega: el primero, en 2004, de José Pascual -con Israel Elejalde en el papel de don Alonso- para la Compañía Nacional de Teatro Clásico, en la línea de lo que siempre cabe esperar de quienes lo llevaron a las tablas.

Y el segundo, dos años más tarde, en Baeza (Jaén), por parte de los estudiantes de la Universidad de Santiago de Compostela, unos muchachos que, con perdón pero al mismo tiempo con total y absoluta realidad, destrozaron el espíritu trágico de la obra todo lo que pudieron o supieron hacer. Por este último era por lo que quien os escribe tenía el deseo de sacarse el mal sabor de boca, de lo que la semana pasada me dieron la ocasión NOVIEMBRE TEATRO y EDUARDO VASCO.

Asimismo, también quería reencontrarme con el director madrileño, a quien conozco personal y, sobre todo, artísticamente desde sus tiempos de máximo responsable de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC), pero de quien no tenía la ocasión de disfrutar de ninguno de sus montajes desde su versión de la shakespeareana El mercader de Venecia, para la misma Noviembre Teatro, en 2015. Leer el resto de la entrada »

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Bella y sensible apología canina


CRÍTICA DE CINE

PELÍCULA: TU MEJOR AMIGO (A DOG’S PURPOSE)
DIRECCIÓN: Lasse Hallström
GUION: Cathryn Michon, W. Bruce Cameron, Audrey Wells, Maya Forbes y Wally Wolodarsky, basado en la novela de W. Bruce Cameron
FOTOGRAFÍA: Terry Stacey
REPARTO: Dennis Quaid, Britt Robertson, Bryce Gheisar, Juliet Rylance, Luke Kirby, Josh Gad, K.J. Apa, Peggy Lipton, John Ortiz, Gabrielle Rose, Michael Bofshever, Kirby Howell-Baptiste, Pooch Hall
MÚSICA: Rachel Portman
VESTUARIO: Shay Cunliffe
PRODUCCIÓN: Amblin Entertainment, Amblin Partners, Pariah Entertainment Group, Reliance Entertainment y Walden Media
DISTRIBUIDORA EN ESPAÑA: TriPictures
GÉNERO: Comedia dramática
NACIONALIDAD: Estadounidense
AÑO: 2017
DURACIÓN: 100 minutos
CALIFICACIÓN: * * * (sobre 5)

Si una película cumple de sobras con su objetivo y está bien contada, no importa que no sea una obra maestra para que reciba una crítica positiva. Y eso es exactamente lo que ocurre con TU MEJOR AMIGO (A DOG’S PURPOSE). Los “gurús” de la crítica cinematográfica –o quienes pretenden serlo- y los supuestamente grandes estudiosos de la obra del director, el sueco Lasse Hallström, pueden decir misa en sus respectivas reseñas, que sus opiniones son perfectamente respetables y, por qué no decirlo, hasta con una buena base fundamental.

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Pero como yo no soy ni una cosa ni la otra –sólo un aficionado más o menos entendido, mientras que de Hallström apenas si conozco la inolvidable Siempre a tu lado, Hachiko-, estoy libre absolutamente de influencias o complejos de cualquier tipo para afirmar que no sólo he disfrutado de Tu mejor amigo sino que, además, puedo calificarla como una película con la que no sólo quedarán satisfechos –que no extasiados, que conste- los amantes de los perros y de los animales en general, sino también cualquier espectador que albergue en su interior una mínima dosis de sensibilidad. Leer el resto de la entrada »

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El estereotipo español bien contado


CRÍTICA DE CINE

PELÍCULA: SEÑOR, DAME PACIENCIA
DIRECCIÓN: Álvaro Díaz Lorenzo
GUIONISTA: Álvaro Díaz Lorenzo
FOTOGRAFÍA: Valentín Álvarez
REPARTO: Jordi Sánchez, Megan Montaner, David Guapo, Silvia Alonso, Salva Reina, Eduardo Casanova, Bore Biuka, Paco Tous, Rossy de Palma, Andrés Velencoso, Antonio Dechent, Raúl Jiménez
PRODUCCIÓN: Atresmedia Cine / Canal Sur Televisión / DLO Producciones / Maestranza Films
GÉNERO: Comedia
NACIONALIDAD: Española
AÑO: 2017
DURACIÓN: 90 minutos
CALIFICACIÓN: * * * (sobre 5)

Hay formas y formas de contar en una película ciertos clichés y tópicos de una determinada sociedad. Se pueden hacer de forma un tanto chusca, pero también sin caer en ningún momento en el mal gusto.

Como también se pueden tratar en el cine de diferentes maneras los diferentes conflictos que suelen derivarse de las relaciones familiares, un tema si nos ponemos un poco manido, pero que si se desarrolla correctamente puede seguir dando bastante juego.

Eso mismo es lo que ocurre en SEÑOR, DAME PACIENCIA, en la que la familia de Gregorio, un banquero de ideología altamente conservadora y madridista hasta la médula –interpretado por Jordi Sánchez– se reúne para viajar a Sanlúcar de Barrameda para cumplir la voluntad de su esposa repentinamente fallecida –Rossy de Palma-: esparcir sus cenizas por el Guadalquivir.

En su familia comparten espacio una hija –Megan Montaner– casada con un catalán muy del Barça –David Guapo– con el que, además, se va a ir a vivir a Barcelona; otra hija –Silvia Alonso– emparentada con un hippe andaluz antisistema –Salva Reina-; y un hijo gay –Eduardo Casanova– que se va a casar con un vasco negro de origen senegalés –Bore Biuka-.

Más tópicos, imposible; pero el gran acierto de la película reside en su manera de ir haciendo evolucionar a los personajes, así como también el devenir de la historia, que nos ofrece divertidos momentos de humor, así como también escenas altamente entrañables y bastante emotivas, destacando quizá aquella en la que, en plena ruta, todos escuchan y cantan el conocido tema musical “Vivimos siempre juntos”, el preferido de la madre. Leer el resto de la entrada »

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El valor ante el desastre


CRÍTICA DE CINE

PELÍCULA: EN ESTE RINCÓN DEL MUNDO
TÍTULO ORIGINAL: Kono sekai no katasumi ni
DIRECCIÓN: Sunao Katabuchi
GUIONISTA: Sunao Katabuchi (Basada en el manga original de Fumiyo Kôno)
REPARTO: Daisuke Ono
PRODUCCIÓN: Masay Murayama (MAPPA) y Taro Maki (GENCO).
DISTRIBUCIÓN: Tokyo Theatres Company / Selecta Visión
GÉNERO: Drama / Animación
NACIONALIDAD: Japonesa
AÑO: 2016 (Estrenada en España en 2017)
DURACIÓN: 130 minutos
CALIFICACIÓN: * * * * (sobre 5)

Realidad y esperanza; horror y optimismo; desastre y valor ante sus consecuencias. Así, a partir del manga original publicado entre 2007 y 2009 por Fumiyo Kôno, nos cuenta Sunao Katabuchi lo ocurrido en el Japón de los años 30 y, sobre todo, los 40, en plena Segunda Guerra Mundial que, como bien sabemos, afectó notoriamente a la prefectura de Hiroshima, lugar donde se ubica nuestra historia.

Así, En este rincón del mundo nos ofrece, desde lo más cotidiano, el relato de unos acontecimientos que todos conocemos, o al menos deberíamos conocer. Y lo hace desde la mirada de la joven Suzu Urano, trabajadora pero sobre todo soñadora, obligada a casarse y a cambiar de ciudad pero que nunca pierde la compostura, y que sigue dejando un hueco para su particular mundo de sueños gracias a su gran pasión, la pintura.

Siempre en un entorno natural y marítimo como el de Hiroshima y Kure, los ojos de Suzu, ya con su nueva familia, poco a poco serán testigos de una tragedia que termina por afectarles tan cruda como directamente; pero ante la que, en vez de resignarse y achantarse, tanto ella como los suyos deciden salir adelante, continuar con la vida, intentando poco a poco retomar sus sueños. Leer el resto de la entrada »

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Contra el horror… y al corazón


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: TOSKA
AUTOR: Basada en textos de Juan Carlos Rubio, Raúl Cortés, Gracia Morales, Ángela Liddel, Laila Ripoll, Wajdi Mouwad, Alberto Conejero, Svetlana Aleviévich, Eduardo Chivite y Dulce Chacón.
COMPAÑÍA: Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Sevilla (Talleres de Fin de Estudios de 4º de Interpretación y de 4º de Escenografía).
REPARTO: María de Vicente, Bartolomé Álvarez, Izarbe Bernal, Juan del Junco, Cristina Jardi, Amelia Flores, Tania Parejo, Lara Grados, Olga Navalón, Marina García, Bel Jurado y Julia Portela.
DIRECCIÓN: Mar Rodríguez y Zoraida Sánchez (Profesoras del taller de Interpretación).
DRAMATURGIA: Mar Rodríguez.
DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA: Alumnos de 4º curso (Espacio Escénico, Iluminación; Vestuario; Espacio sonoro y Utilería); Triana Mata, Carlos Chacón, Loreto Atienza, Nelson Salinas y Manuel Cid (Creación Colectiva).
PROFESORADO: Mar Rodríguez y Zoraida Sánchez (Interpretación); Emma Alonso (Voz); Magüi Frade (Cuerpo); Mar Aguilar, Ana Arcas, Emi Caramé y Ramón Ortega (Escenografía).
LUGAR: Teatro Central (Sevilla).
DÍA: 16-6-2017
DURACIÓN: Aproximadamente 80 minutos.
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

Un mensaje que cala. Un mensaje que llega hasta lo más profundo. Un mensaje que huye de lo demagógico y que nos abre de nuevo los ojos ante parte de lo peor del ser humano.

Así despiden sus estudios los alumnos de 4º DE INTERPRETACIÓN y de 4º DE ESCENOGRAFÍA de la ESCUELA SUPERIOR DE ARTE DRAMÁTICO (ESAD) de Sevilla, con un montaje coral en el que nos muestran el horror de las guerras, de las fronteras –sobre todo en tiempos de conflicto bélico-, de la violencia humana en sí y de lo absurdo a veces del sometimiento a las leyes por encima de las personas.

El centinela capaz de intentar matar a un niño sólo porque se acerca a su particular paso fronterizo; los reparos y el miedo de dos personas, dos víctimas de guerra que alivian sus penas en un punto neutro, miedo a hablarse sólo por pertenecer a bandos opuestos… son algunos ejemplos de las situaciones que estos chicos, bajo la dirección de Mar Rodríguez y Zoraida Sánchez, llevan a escena adaptando textos de varios autores.

Todo ello agrupado en una palabra, “Toska”, vocablo ruso sin traducción literal pero que evoca sensación de desolación, vacío, impotencia, desesperanza, incertidumbre, soledad, olvido, miedo…en definitiva, es “esa palabra que no debería existir”, según la definen muy acertadamente ellos mismos en el programa de mano. Leer el resto de la entrada »

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El teatro por amor al arte


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: AMORE MÍO y LOLA’S LOVE ACADEMY
AUTOR: Varios
COMPAÑÍA: Estudio de Actores Acontracorriente Teatro
REPARTO: Ana García, Juan Vela, Lola Moreno, Manuel Vicent, Rocío Arias, Pepi Illanes, Lolo Jiménez y Yolanda Curtis
DIRECCIÓN: José Luis Pérez
LUGAR: Palacio de los Marqueses de La Algaba (Sevilla)
DÍA: 27-5-2017
DURACIÓN: Algo más de una hora
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

No hay focos; no hay glamour; no hay alfombras rojas de ningún tipo. Pero sí que hay pasión, y amor por salir a las tablas para comerse el mundo, aunque no haya dinero de por medio. Es el teatro amateur, el teatro por amor al arte -nunca mejor dicho porque arte también hay, y del bueno- el que se puede ver en la I Muestra de Teatro Participativo, una acertada iniciativa que se extiende en Sevilla hasta el próximo 25 de junio, y que acerca el teatro tanto a todos los públicos como a todos los artistas, en un escenario como el Palacio de los Marqueses de La Algaba, señero donde los haya –aunque, dependiendo del día, también con algún que otro inconveniente-.

Todo ello gracias a compañías como por ejemplo el estudio de actores de la compañía Acontracorriente, dirigido por José Luis Pérez, cuyos alumnos se han llevado toda una temporada trabajando para poder dar rienda suelta a su pasión y a sus dotes interpretativas. Y cuyo resultado ha sido la puesta en escena de las dos piezas con las que nos obsequiaron en la noche sabatina de ayer, día 27 de mayo.

La primera, Amore Mío, una selección de escenas escogidas de diferentes títulos, con los pormenores del amor como nexo de unión y una introducción con reminiscencias de la mitología grecolatina. Y la segunda, Lola’s Love Academy, con lo que podría ocurrir en cualquier academia de baile en la que el amor, los intereses y la necesidad personal entran en juego hasta llegar a un emocionante final. Esta última, presentada poco antes de final de 2016 en el Centro Cívico San Julián. Leer el resto de la entrada »

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El poder vital del ajedrez


CRÍTICA DE CINE

PELÍCULA: EL JUGADOR DE AJEDREZ
DIRECCIÓN: Luis Oliveros
GUIONISTA: Julio Castedo
MÚSICA: Alejandro Vivas
FOTOGRAFÍA: Juan Carlos Gómez
REPARTO: Marc Clotet, Melina Matthews, Alejo Sauras, Stefan Weinert, Mike Hoffmann, Andrés Gertrúdix, Pau Durà, Lionel Auguste, Maarten Dannenberg, Christian Stamm, Juan Del Santo, Blanca Zurdo, Karlos Klaumannsmoller, Scott Alexander Young, Martin Angerbauer, Jaume Cervera
PRODUCCIÓN: Ishtar Films / Tornasol Films / Hernández y Fernández Producciones Cinematográficas
GÉNERO: Drama / Ajedrez / Ambientación histórica
NACIONALIDAD: Española
AÑO: 2017
DURACIÓN: 98 minutos
CALIFICACIÓN: * * * (sobre 5)

Diego Padilla (Marc Clotet), joven y brillante campeón de España de ajedrez en 1934 y apolítico por convicción, marcha en los inicios del Franquismo a París, ciudad natal de su esposa, Marianne Latour (Melina Matthews), a la que había conocido la misma noche de su gran éxito. Allí, junto a ésta y a la hija de ambos, Padilla comienza una nueva vida… que se ve truncada cuando es acusado de espionaje por los nazis y encerrado en una prisión de las SS. Allí su profesión y pasión por los escaques se convierte en su tabla de salvación, debido a la gran afición por el ajedrez que también manifiesta el oficial al mando, el coronel Maier (Stefan Weinert).
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Así podríamos presentar este trabajo de Luis Oliveros, director con un currículum un tanto desigual pero que aquí logra conducir con bastante éxito la adaptación de la novela que Julio Castedo publicara en 2009, inspirándose un poco en la historia de la permanencia del gran campeón ruso/francés Aleksander Alekhine -pronúnciese “Aliojin”– en la París ocupada por los nazis.

Y es precisamente la recreación fidedigna -como instructor que soy de la Federación Andaluza puedo dar fe- del llamado por muchos “el juego de los juegos” el punto más fuerte de este film, que alcanza sus cotas de mayor brillantez con un tablero de por medio. Desde el contundente inicio ganando el campeonato de España con suma inteligencia hasta las lecciones que imparte al coronel nazi, pasando por cómo intenta convencer a éste de que sabe jugar lo suficientemente bien como para que el jefe de la facción parisina de las SS pueda depositar en él su confianza.

Precisamente esta escena se constituye, para mí, como la mejor de todas. Un pasaje que todo buen cinéfilo y aficionado al ajedrez disfrutará, con el cara a cara entre Marc Clotet y Stefan Weinert. Clotet, sin desempeñar un papel de Oscar, sí que convence en líneas generales metido en la piel de Padilla, triunfador en los escaques pero desgraciado en la batalla de la vida; Weinert, algo parecido como el hierático Maier. Leer el resto de la entrada »

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