Archivo categoría Críticas cinéfilo-teatrales

El poder vital del ajedrez


CRÍTICA DE CINE

PELÍCULA: EL JUGADOR DE AJEDREZ
DIRECCIÓN: Luis Oliveros
GUIONISTA: Julio Castedo
MÚSICA: Alejandro Vivas
FOTOGRAFÍA: Juan Carlos Gómez
REPARTO: Marc Clotet, Melina Matthews, Alejo Sauras, Stefan Weinert, Mike Hoffmann, Andrés Gertrúdix, Pau Durà, Lionel Auguste, Maarten Dannenberg, Christian Stamm, Juan Del Santo, Blanca Zurdo, Karlos Klaumannsmoller, Scott Alexander Young, Martin Angerbauer, Jaume Cervera
PRODUCCIÓN: Ishtar Films / Tornasol Films / Hernández y Fernández Producciones Cinematográficas
GÉNERO: Drama / Ajedrez / Ambientación histórica
NACIONALIDAD: Española
AÑO: 2017
DURACIÓN: 98 minutos
CALIFICACIÓN: * * * (sobre 5)

Diego Padilla (Marc Clotet), joven y brillante campeón de España de ajedrez en 1934 y apolítico por convicción, marcha en los inicios del Franquismo a París, ciudad natal de su esposa, Marianne Latour (Melina Matthews), a la que había conocido la misma noche de su gran éxito. Allí, junto a ésta y a la hija de ambos, Padilla comienza una nueva vida… que se ve truncada cuando es acusado de espionaje por los nazis y encerrado en una prisión de las SS. Allí su profesión y pasión por los escaques se convierte en su tabla de salvación, debido a la gran afición por el ajedrez que también manifiesta el oficial al mando, el coronel Maier (Stefan Weinert).
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Así podríamos presentar este trabajo de Luis Oliveros, director con un currículum un tanto desigual pero que aquí logra conducir con bastante éxito la adaptación de la novela que Julio Castedo publicara en 2009, inspirándose un poco en la historia de la permanencia del gran campeón ruso/francés Aleksander Alekhine -pronúnciese “Aliojin”– en la París ocupada por los nazis.

Y es precisamente la recreación fidedigna -como instructor que soy de la Federación Andaluza puedo dar fe- del llamado por muchos “el juego de los juegos” el punto más fuerte de este film, que alcanza sus cotas de mayor brillantez con un tablero de por medio. Desde el contundente inicio ganando el campeonato de España con suma inteligencia hasta las lecciones que imparte al coronel nazi, pasando por cómo intenta convencer a éste de que sabe jugar lo suficientemente bien como para que el jefe de la facción parisina de las SS pueda depositar en él su confianza.

Precisamente esta escena se constituye, para mí, como la mejor de todas. Un pasaje que todo buen cinéfilo y aficionado al ajedrez disfrutará, con el cara a cara entre Marc Clotet y Stefan Weinert. Clotet, sin desempeñar un papel de Oscar, sí que convence en líneas generales metido en la piel de Padilla, triunfador en los escaques pero desgraciado en la batalla de la vida; Weinert, algo parecido como el hierático Maier. Leer el resto de la entrada »

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‘Your name’: mirando cara a cara a Chihiro


CRÍTICA DE CINE

PELÍCULA: YOUR NAME
DIRECTOR Y GUIONISTA: Makoto Shinkai
MÚSICA: Radwimps
PRODUCCIÓN: Toho Company, East Japan Marketing & Communications Inc., CoMix Wave, Toho, Kadokawa
DISTRIBUCIÓN: Selecta Visión
GÉNERO: Anime / Drama / Ciencia ficción / Romántica / Aventuras
NACIONALIDAD: Japonesa
AÑO: 2016 (Estrenada en España el 7-4-2017)
DURACIÓN: 107 minutos
CALIFICACIÓN: * * * * (sobre 5)

Hasta hace nada parecía casi imposible que Japón nos diese una película animada que estuviese a la altura de El viaje de Chihiro; y no por falta de calidad, sino porque la redondez absoluta de la mítica cinta de Hayao Miyazaki y Studio Ghibli hacía poco menos que impensable que alguna otra estuviese a su altura.

Pero, miren ustedes por dónde, ha aparecido MAKOTO SHINKAI, para muchos el sucesor del maestro Miyazaki, para dejarnos en evidencia con la adaptación cinematográfica de la novela del mismo nombre, que le ha quitado a la oscarizada Chihiro la condición de película de animación más taquillera de la historia en Japón y que, tanto en reconocimiento crítico como en premiación, es muy posible que, como poco, se aproxime a sus amplias cotas.

Y con razones para ello. YOUR NAME (Kimi no na wa, en japonés) es mucho, pero que mucho más que una bonita historia, con algo o bastante de ciencia ficción, entre dos muchachos, ella de pueblo y él de ciudad, cuyos cuerpos se intercambian constante y aleatoriamente, y que se conocen pero que aún no se han visto. Así es como se nos presenta en el tráiler la historia de Shinkai, en lo que no es sino una perfecta operación de marketing, con el objetivo de sorprender al espectador. Leer el resto de la entrada »

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‘Vivir como cerdos’: la ESAD y su excelente cantera


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: VIVIR COMO CERDOS
AUTOR: John Arden
COMPAÑÍA: Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Sevilla (Talleres de 3º de Interpretación y de fin de estudios de Escenografía)
REPARTO: Rubén Fernández (Sailor), Ana Ramos (Rachel), Julio José Carmona (Col), Alba Ruiz (Sally), Klaudia Kwdowczak (Daffodil), Ana María González (Vieja Croacker), Manuel González (Sr Jackson), Sarah Isabel López (Sra Jackson/Sargento), Gema Abad (Doreen Jackson/Rosie) y Pedro Martínez (Blackmouth/Oficial).
DIRECCIÓN: Mercedes Serrano
DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA: Alumnos de 4º curso
ASESORA DE CONSTRUCCIÓN, MONTAJE, PLANIMETRÍA Y SONIDO: Yanira Muñoz
ASESORA DE VESTUARIO: Lorena Cabrera
ASESOR DE ILUMINACIÓN Y DISEÑO GRÁFICO: Luis Miguel Bernal
ASESORA DE PRODUCCIÓN: Kassandra Romero
ASESORA DE AUDIOVISUALES: Valentina Travaglini
VESTUARIO: María Dolores Piña
PROFESORADO: Mercedes Serrano (Interpretación), Emilia Caramé (Iluminación), Mª del Mar Aguilar (Técnicas Escénicas), Ana Arcas (Técnicas Gráficas), María José Sánchez-Ramade (Técnica Vocal), Magüi Frade (Expresión Corporal) y Ramón Ortega (Producción).
LUGAR: Escuela Superior de Arte Dramático (Sevilla)
DÍA: 29-3-2017
DURACIÓN: Aproximadamente dos horas
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

La Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Sevilla continúa dando a luz excelentes promociones de futuros profesionales de las artes escénicas. Si los alumnos de 4º de Interpretación nos obsequiaron recientemente con la emoción y el sentimiento de De Yerma a Los Palos, en absoluto es menor la calidad del trabajo presentado en estos días por los chicos de 3º de Interpretación y 4º de Escenografía.

Combinación ésta cuyo resultado ha sido sobresaliente al llevar a las tablas uno de los títulos del dramaturgo inglés John Arden, VIVIR COMO CERDOS, tal vez el más conocido, en el que se refleja la convivencia de dos familias: los Jackson, “familia bien”, teóricamente modélica; y los Sawney, más marginales y de comportamiento y costumbres un tanto más salvajes. Y, sobre todo, las andanzas de esta última en un entorno, las VPO, que no es el suyo, y al que sus miembros han llegado, digamos, de manera forzosa.

Desde el primer momento hasta el último de las casi dos horas de representación, se puede comprobar cómo todos y cada uno de los chicos se meten estupendamente en los personajes asignados -pijos y arrabaleros-, tanto por su declamación como por sus ademanes sobre el escenario. Calidad en general, y versatilidad que se puede observar muy especialmente en aquellos que doblan papel, en especial Gema Abad, capaz de meterse no sólo en la piel de las rebeldes Rosie Sawney y Doreen Jackson -distintas formas de rebeldía, pero rebeldía al fin y al cabo- sino que también es capaz de exhibir su extraordinaria voz interpretando de forma magistral uno de los temas musicales.

Pero no quiero hacer de menos al resto de actores: el torrente del viejo Sailor (Rubén Fernández); la sensualidad de Rachel (Ana Ramos) y Daffodil (Klaudia Kwdowczak); los ademanes “chilindrinescos” de Sally (Alba Ruiz); el promiscuo macarreo del joven Col (Julio José Carmona); la demencia de la Vieja Croacker (Ana María González); la hipocresía y debilidad carnal latente en el señor Jackson (Manuel González); el carácter un tanto controlador de la señora Jackson (Sarah Isabel López), incapaz al mismo tiempo de ver lo que sucede más allá de sus narices; el carácter peligroso y enloquecido de Blackmouth (Pedro Martínez)… todo el elenco está de notable hacia arriba a la hora de dar vida a sus respectivos personajes. Leer el resto de la entrada »

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Doctorado para los chicos de la ESAD


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: DE YERMA A LOS PALOS
AUTOR: Concha Távora, basándose en textos de Federico García Lorca y Salvador Távora
COMPAÑÍA: Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Sevilla
ELENCO: Soraya Estévez, Conso Muñoz, Alba Núñez, Esperanza Querino, Chema Bascón, Juan Carlos Vergara, Marta Infante, Fran Caballero, Susana Villegas, María Marín, Anabel Batlles, Patricia Salgado, Candela Cruz (Alumnos de 4º de Interpretación), Paco Maya (Percusión), Juan Ramírez (Guitarra) y Sara Holgado (Cante).
DIRECCIÓN: Concha Távora
LUGAR: Teatro Távora (Sevilla)
DÍA: 8-3-2017
DURACIÓN: Aproximadamente hora y media
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

Desconozco personalmente si el espectáculo que se vio ayer en el Teatro Távora conllevaba calificación académica alguna; supongo que sí, no obstante, al tratarse del taller de fin de estudios. Pero de ser así no me cabe duda que los alumnos de la Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Sevilla deberían llevarse la nota más alta de todas por el excelente montaje DE YERMA A LOS PALOS, con el que tan brillantemente homenajean tanto a Federico García Lorca como también a Salvador Távora, y con el que anoche nos deleitaron en su preestreno.

De un lado, el espíritu de Yerma, una de las tres partes de la llamada “trilogía lorquiana” junto a las no menos míticas Bodas de Sangre y La casa de Bernarda Alba; de otro, la denuncia que el maestro Távora, anoche en primera fila en el espacio que lleva su nombre, hizo en 1975 con Los Palos del asesinato del poeta granadino. Un espectáculo eminentemente flamenco, coral y multidisciplinar, mezclando algunas de las principales artes escénicas, cada cual con su parte destacada y complementándose a la perfección todas ellas entre sí. Leer el resto de la entrada »

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En recuerdo y homenaje a los Monty Python


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: MISIÓN FLORIMÓN
AUTOR: Sacha Danino y Sebastien Azzopardi
COMPAÑÍA: Producciones Marcelo Casas
REPARTO: José Carrillo, Cristina Goyanes, Marcelo Casas, Santiago Molero y Jesús Cabrero
GESTIÓN Y PRODUCCIÓN: Laura Santana (Producciones Marcelo Casas)
DIRECCIÓN: Yllana (Joe O’Curneen)
LUGAR: Teatro Quintero (Sevilla)
DÍA: 6-12-2014 (Sesión de las 19:30)
DURACIÓN: Aproximadamente hora y media
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

Se presentaba en el Teatro Quintero, tras varios meses de éxito en Madrid y otras ciudades españolas, esta Misión Florimón, calificada como una “original y sorprendente comedia (…) al estilo de los Monty Python”. Una especie de cómic teatral que vio la luz gracias a una pareja de disparatados -en el buen sentido- dramaturgos franceses, y que ha sido adaptada por Producciones Marcelo Casas a una época tan controvertida de la historia de España, como la del final de los Austrias.

El rey Carlos II, el “Hechizado”, ante su incapacidad para generar descendencia que asegure la supervivencia de su dinastía en el trono, recurre a la ayuda musulmana para evitar que eso ocurra, y así que todas sus posesiones caigan en manos de los franceses. Para ello no le queda más remedio que confiar en el bufón de la corte, el valiente Florimón, sobre el que recae la misión de llegar hasta Constantinopla, contra viento y marea, y desafiando toda clase de peligros e inconvenientes.

Peligros que, como el lector estará empezando a imaginar, no se corresponden sino con los diferentes gags y situaciones generados tanto en la mente de los autores y de los adaptadores. Poco a poco, el “camino” de Florimón va calentándose humorísticamente hasta, como decíamos al principio, convertirse en un más que notable homenaje a los Graham Chapman (que en paz descanse), John Cleese o Eric Idle, entre otros; mitos donde los haya dentro de la surrealista comedia teatral del absurdo. Una ruta mostrada a modo de viñetas de tebeos que, con música, bailes y constantes anacronismos referidos a la época actual, da de sobras para el lucimiento personal de los cinco actores.

Especialmente Marcelo Casas y Santiago Molero que, junto a Jesús Cabrero, dan vida a más de diez personajes por barba. La vis cómica de Casas era de sobras conocida por un servidor, gracias a éxitos rutilantes como la hilarante Por los pelos, y a monólogos sumamente entretenidos como El marronero de amores; no así la de Molero, al que tan sólo recordaba por su papel en la popular serie Águila Roja.

Entre los dos, con la ayuda de un Cabrero que también está a la altura, se encargaron de sacar gran parte de las risas al público que llenaba el sevillano recinto ubicado en la céntrica calle Cuna. El resto de las mismas corrieron a cargo de José Carrillo y Cristina Goyanes, sustitutos aquí en Sevilla de los televisivos Canco Rodríguez y Vanesa Romero, respectivamente.

Carrillo da vida de manera notable al protagonista, Florimón, quizás, eso sí, recordando excesivamente a su antecesor y su papel del “Barajas” en la ya finalizada Aída; aspecto que probablemente haya que achacar más bien a la dirección. En cualquier caso, la reminiscencia es fidedigna al 100%. Y Goyanes, en la piel de la bella y oscura Mariflor, le da una buena réplica escénica.

Todo ello, junto a una escenografía y vestuario acorde al espectáculo, da como resultado noventa minutos de progresiva y surrealista hilaridad, con la que la asistencia se hace absolutamente recomendable en el caso de querer pasar, como así aconseja quien suscribe estas líneas, una deliciosa noche de risas en alguno de los dos fines de semana -anteriores a las fiestas navideñas- en los que los chicos de Marcelo Casas andarán todavía por la capital andaluza. Especialmente si al lector de estas líneas le gustan los Monty Python.

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La materialización vital de los sueños


CRÍTICA DE CINE

PELÍCULA: EL VIENTO SE LEVANTA
DIRECTOR Y GUIONISTA: Hayao Miyazaki
MÚSICA: Joe Hisaishi
PRODUCCIÓN: Toshio Suzuki / Studio Ghibli
GÉNERO: Anime / Drama
NACIONALIDAD: Japonesa
DURACIÓN: 126 minutos
CALIFICACIÓN: * * * * (sobre 5)

Se despide -o eso asegura, al menos- HAYAO MIYAZAKI, el gran maestro de la animación al estilo japonés y, sin duda, uno de los más grandes de todos los tiempos. Y lo hace -poniendo fin a más de tres décadas de grandes obras maestras desde que colaborara estrechamente en la creación de Heidi– a lo grande, con una creación que para algunos es su mejor película -yo lo considero un tanto atrevido, analizando su trayectoria- pero que, en tal caso, es indudable que te termina llegando al corazón desde el primer fotograma.

EL VIENTO SE LEVANTA no es sino un canto a la vida a través de la materialización de los sueños, o el intento de esto último. Los sueños del joven Jiro Horikoshi, el ingeniero aeronáutico japonés, responsable máximo del diseño de muchos de los cazas de combate nipones durante la Segunda Guerra Mundial, y en cuya historia se basa el argumento de la película. Los sueños propios, también, de un Miyazaki que anhelaba convertirse en aviador antes de llegar a convertirse en uno de los iconos del cine animado. Y los sueños, por qué no decirlo, de todos y cada uno de quienes nos sentamos en nuestras respectivas butacas para disfrutar de la presentación del último apartado correspondiente a un legado, el de “don Hayao”, difícilmente igualable.

Partiendo de un verso de Paul ValeryEl viento se levanta… ¡Hay que intentar vivir!, Miyazaki y “su” Studio Ghibli nos presentan quizás su fábula más realista. Alejada de la complejidad argumental de obras como El viaje de Chihiro o El castillo ambulante, El viento se levanta se ubica dentro de una época convulsa y un tanto oscura en la historia de Japón, el período de entreguerras en el que la ambición por situarse a la vanguardia de la tecnología del momento contrastaba con la pobreza que asolaba a gran parte del país merced a las consecuencias de los diversos conflictos armados, y a los desastres naturales.

Y es precisamente ese entorno con el que Miyazaki -más Joe Hisaishi y con su excelsa y preciosa banda sonora– vuelve a hacer gala de su magisterio a la hora de tejer el hilo argumental, su inigualable calidad como narrador cuyo resultado vuelve a ser emocionante y conmovedor. Y, pese al “exceso” de realismo latente, sin perder en ningún momento su sello. Ese toque maestro para mezclar como nadie la magia y fantasía de los sueños con la -a veces muy dura- realidad; y también ese toque romántico que siempre le ha caracterizado para elaborar la bonita -y, a su vez, dramática- historia de amor entre Jiro y Nahoko, la jovencita a la que él salva la vida tras un terremoto y que, años más tarde, se convertiría en su gran impulso vital.

Todo ello mostrado a través de la extraordinaria calidad de imagen que es habitual dentro del Studio Ghibli. Una forma de hacer animación en la que el diseño de personajes y objetos se combina con la excelente profusión de colores para hacernos ver que, aunque la vida nos trate mal, siempre hay que intentar seguir adelante, continuar ahondando en la búsqueda y la materialización de nuestros sueños. En definitiva, seguir viviendo, seguir “volando”… mientras el viento se levante.

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Mr Banks, “salvado” con nota


CRÍTICA DE CINE

PELÍCULA: AL ENCUENTRO DE MR BANKS (SAVING MR BANKS)
DIRECTOR: John Lee Hankock
REPARTO: Emma Thompson, Tom Hanks, Colin Farrell, Paul Giamatti, Jason Schwartzman, Bradley Whitford, Ruth Wilson, B.J. Novak, Rachel Griffiths, Kathy Baker
GUIÓN: Sue Smith y Kelly Marcel
PRODUCCIÓN: Walt Disney Pictures / Ruby Films / Essential Media & Entertainment
GÉNERO: Drama
NACIONALIDAD: Estados Unidos
DURACIÓN: 125 minutos
CALIFICACIÓN: * * * * (sobre 5)

Tom Hanks (Walt Disney) y Emma Thompson (P.L. Travers), paseando por DisneylandiaEn primer lugar, si esta crítica llega a manos de algún determinado especialista puro en el mundo del cine, me gustaría pedirle perdón porque, a la hora de emitir mi puntuación particular de SAVING MR BANKS -prefiero el título original; además de más corto es más adecuado para con la filosofía del film- me haya dejado llevar por los entrañables recuerdos que en mi mente evocan tanto el universo Disney en general como, concretamente, una película –Mary Poppins– que siempre, tenga la edad que tenga, estaré dispuesto a ver al menos una vez más.

No quiere esto decir que el homenaje que Disney ha preparado por el cincuentenario del estreno de uno de sus éxitos históricos sea objetivamente una mierda, capaz de captar de manera facilona al seguidor de Mary Poppins pero de aburrir soberanamente al resto de la humanidad. Que nadie se atreva a pensar tal cosa. Aunque sí que la casi excelencia otorgada por mí en su evaluación podría deberse a la gran cantidad de agradables reminiscencias provocadas principalmente por la inolvidable banda sonora creada por los míticos hermanos Robert y Richard Sherman.

O no tanto, quién sabe. Porque si dejamos a un lado todo esto -cosa harto complicada- el resultado no es otro que el de un trabajo con sus pequeñas imperfecciones, pero cuya historia está notablemente conducida, yendo progresivamente a más con el transcurrir de los minutos. La visión -parece ser, eso sí, un poco edulcorada según los acontecimientos reales- de cómo Walt Disney consiguió, allá por 1961, hacerse con los derechos de la novela escrita por P.L. Travers para su adaptación cinematográfica, combinado todo ello con el recuerdo de las desgraciadas vivencias infantiles de la propia autora.

Los entresijos -algunos de ellos- del mundo del séptimo arte; el tira y afloja entre ambas partes a la hora de elaborar el guión de una obra que terminaría pasando a la historia… y la reivindicación, como uno de los “mensajes” incluidos, de la figura paterna. Ese “Mr Banks” -con el recuerdo, sencillo pero emotivo, del inolvidable David Tomlinson, el rostro por excelencia del personaje-, posiblemente imperfecto pero con seguridad cariñoso que quien más quien menos tiene o ha podido tener a lo largo de su vida. Ese padre “salvado”, ya sea por una simpática y eficaz institutriz… o más bien por uno mismo.

¿Y cuál es el proceso para “salvar”, y con la mejor nota posible, a Mr Banks? Para saberlo, es preciso que se acerquen a las salas de cine -o a los videoclubs, cuando salga la película en DVD- y sean testigos del maravilloso mano a mano interpretativo que mantienen dos verdaderos monstruos como EMMA THOMPSON y TOM HANKS.

Thompson encarna a la perfección probablemente no con exactitud a la Travers real, pero sí a la que exige el guión de Sue Smith y Kelly Marcel: la típica mujer inglesa -de origen australiano, en su caso- seca y en ocasiones hasta impertinente pero que, a través de los recuerdos de su desafortunado padre –COLIN FARRELL– va mostrando su corazoncito y que termina -con esto no descubro nada que el espectador mínimamente sagaz pueda dejar de imaginarse- realmente encantada con el multitudinario estreno de Mary Poppins. Y Hanks responde como un perfecto “partenaire” en la piel del -controvertido para algunos- “creador de sueños”, el “Rey Midas” que todo lo que toca lo transforma en oro pero que, a su vez, es capaz de soportar una úlcera para no incumplir una promesa hecha veinte años antes a sus niñas.

Si todo ello es totalmente cierto o no, qué más da. Hay ciertas “licencias poéticas” -ahí tenemos, por ejemplo, a Shakespeare in love con el genio inglés y Romeo y Julieta– que, dependiendo del guión en sí y del propósito de la película a montar, resultan perdonables y asumibles. Es la magia del cine. Y con Saving Mr Banks no cabe otra cosa que dejarse llevar, y disfrutar.

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Tragedia (y celos) de un gran Otelo


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: OTELO
AUTOR: William Shakespeare
COMPAÑÍA: Noviembre Teatro
REPARTO: Daniel Albaladejo, Arturo Querejeta, Cristina Adua, Fernando Sendino, Isabel Rodes, Héctor Carballo, José Ramón Iglesias, Francisco Rojas y Ángel Galán
VESTUARIO: Lorenzo Caprile
ESCENOGRAFÍA: Carolina González
ILUMINACIÓN: Miguel Ángel Camacho
MÚSICA: Ángel Galán y Eduardo Vasco. Adaptación musical a partir de R. Schuman y A. Scriabin
VERSIÓN: Yolanda Pallín
DIRECCIÓN: Eduardo Vasco
LUGAR: Teatro Lope de Vega (Sevilla)
DÍA: 7-2-2014
DURACIÓN: Aproximadamente un par de horas
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

Desdémona (Cristina Adua) y Otelo (Daniel Albaladejo)Hay quien dice, según diversas críticas y opiniones que han podido llegar a mis manos, que el OTELO versionado por Yolanda Pallín y dirigido por Eduardo Vasco para Noviembre Teatro es el mejor montaje del director madrileño en toda su carrera.

No voy a entrar en si eso es cierto o no porque, además, es realmente complicado hacer semejante determinación vista la cantidad de excelentes trabajos que están presentes en su currículum; pero lo que sí es verdad es que tanto Vasco como Pallín -versión con cambios puntuales pero notorios, aunque sin alterar alterar la esencia de la historia- han captado perfectamente el espíritu de uno de los grandes clásicos universales de Shakespeare.

La tragedia del moro general veneciano, posiblemente el paradigma -o uno de ellos- en el teatro mundial de los celos y de la falta de escrúpulos a la hora de intentar llegar al poder, aparece perfectamente conducida por un director que está apostando fuerte por el genio inglés -ya presentó, hace un par de años, su Noche de Reyes– para su nueva andadura en la compañía creada hace algo más de una década por él mismo.

Los dos protagonistas principales: Otelo (Daniel Albaladejo) y Yago (Arturo Querejeta)Y, a su vez, también por su elenco clásico, al menos en su base principal. Ello le permite al público disfrutar de un bello mano a mano entre el más que consolidado Daniel Albaladejo -de facto uno de los grandes de la escena española contemporánea-, y la ya clásica maestría de un veterano que, como los buenos vinos, sigue mejorando con el paso del tiempo: Arturo Querejeta.

Decía Albaladejo, en una entrevista concedida recientemente a Radio Amisose, que daría un ojo de su cara por actuar en The Globe. Comparto su deseo; porque si el Otelo actual ya es de por sí de lo mejor que el cartagenero ha hecho en su carrera, el grado extra de inspiración que tendría al darle vida en el mítico teatro londinense sin duda convertiría su actuación en algo rayando lo antológico.

Y qué decir de Querejeta… el perfecto Yago, el personaje que lleva el peso de la historia tanto o más incluso que el propio Otelo, manejando los hilos y urdiendo la tela de araña en la que termina atrapando a su superior para ejecutar su particular venganza. Después de la vis cómica mostrada en Noche de Reyes, Querejeta vuelve a poner de manifiesto su excepcional versatilidad como actor.

El resto del elenco contribuye también a mantener el nivel de la obra. Fernando Sendino (Casio) e Isabel Rodes (Emilia) dan, junto a la joven Cristina Adua (Desdémona) una más que notable réplica a los dos protagonistas; ayudados por un aceptable Héctor Carballo (Rodrigo); por los “desdoblados” Francisco Rojas (Dux de Venecia y Ludovico) y José Ramón Iglesias (Brabancio y Montano); y por la siempre oportuna música al piano de Ángel Galán.

Todo ello, como ya es clásico en Eduardo Vasco, con un minimalismo escenográfico que deja todo el protagonismo a los artistas para que, sin duda, cada cual dé lo mejor de sí. Una medida, una vez más, acertada por parte del madrileño. Porque así, la calidad de quienes se encuentran sobre las tablas (y esta vez también puntualmente entre el público) no hace sino brillar como es debido.

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Maravillosa “correspondencia” de Miua Teatro


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: CARTAS
AUTOR: Borja de Diego
COMPAÑÍA: Miua Teatro
REPARTO: Mila Fernández
MAQUILLAJE: Clara Losa y Gema Barroso
DIRECCIÓN: Juan José Morales “Tate”
LUGAR: Teatro Duque-La Imperdible (Sevilla)
DÍA: 15-1-2014
DURACIÓN: Aproximadamente una hora
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

Mila Fernández, en "Cartas"Seis mujeres históricas y otros tantos testimonios, con sus circunstancias. La parte más desconocida y desgraciada de la existencia de nombres femeninos ciertamente conocidos cobra vida gracias al montaje que MIUA TEATRO viene desarrollando desde su estreno el pasado mes de noviembre.

Desde Cleopatra, la “reina de las reinas” del antiguo Egipto, hasta Virginia Woolf; pasando por Marie Curie, Mary Shelley, Eva Braun y Marylin Monroe. Media docena de “cartas” íntimas y personales, con la intensidad dramática y el toque personal del joven periodista y escritor BORJA DE DIEGO. Seis monólogos con diferente estilo, pero con tres puntos en común: la reivindicación de la feminidad en la historia del género humano; la importancia histórica de los personajes; y la desgracia.

Todas ellas, enfrentándose a sus propios conflictos, y a la crueldad del destino y la sociedad de sus respectivas épocas que, pese a su grandeza fehacientemente demostrada, les reservó un rol posiblemente bien distinto al que ellas hubiesen deseado. No sabemos realmente, porque difícilmente se puede, si lo expuesto sobre el papel y las tablas era exactamente lo que ellas pensaban y contra lo que ellas luchaban o intentaban luchar; pero sí queda comprobado que, con esta múltiple puesta en escena, De Diego es capaz de llegar al público gracias a su capacidad de penetrar literariamente en el interior del ser humano, y ser capaz de mimetizarse psicológicamente de forma más que acertada.

Claro que no habría bastado para el éxito de la obra de no haber sido por la excelente dirección de JUAN JOSÉ MORALES “TATE” y, sobre todo, por una fuerza de la naturaleza llamada MILA FERNÁNDEZ; una joven actriz que, visto lo visto, merece más pronto que tarde una oportunidad en el teatro profesional. Leer el resto de la entrada »

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El retrato alternativo contemporáneo de la Ciudad Eterna


CRÍTICA DE CINE

PELÍCULA: LA GRAN BELLEZA (LA GRANDE BELLEZZA)
DIRECTOR: Paolo Sorrentino
REPARTO: Toni Servillo, Carlo Verdone, Sabrina Ferilli, Iaia Forte, Isabella Ferrari, Vernon Dobtcheff, Giorgio Pasotti, Luca Marinelli y Galatea Ranzi, entre otros
PRODUCCIÓN: Indigo Film
GÉNERO: Comedia/Drama
NACIONALIDAD: Italia/Francia
DURACIÓN: 142 minutos (aprox.)
CALIFICACIÓN: * * * * (sobre 5)

(Exhibida en el FESTIVAL DE CINE EUROPEO 2013 DE SEVILLA)

La Roma nocturna, la Roma alternativa, la Roma que no se suele ver, la Roma más allá del Coliseo, el Foro, el Vaticano o la Piazza Navona. La Roma que retratara hace medio siglo Fellini en La dolce vita es la que nos ofrece, en el siglo XXI, Paolo Sorrentino.

Una Roma a través de los ojos de Jep Gambardella, escritor entrado ya en la vejez, con tan sólo una novela en más de cuarenta años, e intentando la búsqueda de la “gran belleza”. Con Gambardella (un excelso Toni Servillo), Sorrentino nos presenta una visión por momentos bastante crítica de lo que es la vida “real”, más allá del entramado clásico y turístico, en una de las ciudades más hermosas del mundo.

Todo ello se extrae de las vivencias de quien pretende ser el “rey de los mundanos” en un lugar, la “Ciudad Eterna”, donde es harto complicado hacerse un nombre descollante durante más de una semana. Gambardella, un hombre de buen vivir pero en el fondo amargado, comparte su vida, eminentemente nocturna, con personas de todo tipo, aunque todas ellas “mundanas” como él.

Como si aparentemente nada sucediera, nuestro protagonista ve vivir y ve morir a la gente que aprecia; sufre y, al mismo tiempo, disfruta de su confesa miserabilidad; hasta que descubre cómo llegar a ese particular “santo Grial” de la inspiración literaria y de la felicidad existencial.

Y entre un punto y otro, diferentes historias personales y corales a modo de frescos, con humor y drama, contrastes y buenas dosis de surrealismo bien llevado que emocionan al máximo, o que como poco no dejan diferente al espectador. Una brillante forma de clausurar el Festival de Cine Europeo 2013 de la capital andaluza.

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