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Pirandello, reflejado en la ESAD sevillana


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: LA FUNCIÓN POR HACER
AUTORES: Miguel del Arco y Aitor Tejada (Adaptación libre de Seis personajes en busca de autor, de Luigi Pirandello).
COMPAÑÍA: Escuela Superior de Arte Dramático de Sevilla (Alumnos de 3º de Interpretación y de 3º de Escenografía).
REPARTO: Elena Viña, Sergio Capitán, Marta Torres, Iván Morales Marcos, Eva de la Rosa, Carmiña Pérez y Miguel Aragonés.
DIRECCIÓN: Merche Serrano (Profesora).
CARACTERIZACIÓN: María Bueno.
ILUMINACIÓN: Sandra Moreno.
PRODUCCIÓN: Irene Cudía.
VESTUARIO: Marta Cardoso.
UTILERÍA: Elena Ciurleo y Martina Perrone.
MÚSICA Y ESPACIO SONORO: Inmaculada Almendral.
ADAPTACIÓN Y DRAMATURGIA: 3º Interpretación (Escena de El show de Truman, de Peter Weir y Andrew Nicol).
PROFESORADO: Merche Serrano (Taller de Interpretación), Mª Luisa Jiménez (Asistente de voz), Magüi Frade (Asistente de movimiento), Emi Caramé (Iluminación), Ramón Ortega (Escenografía y Producción) y Mar Herrera (Figurinismo).
GÉNERO: Tragicomedia
LUGAR: Sala Lorca de la Escuela Superior de Arte Dramático (Sevilla).
DÍA: 22-3-2018
DURACIÓN: Aproximadamente 80 minutos.
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

Como si de un bucle en el tiempo se tratase, vuelvo a escribir para alabar, de forma merecida, los excelentes valores artísticos de la cantera de la Escuela Superior de Arte Dramático de Sevilla (ESAD, de ahora en adelante).

Es el cuarto taller del que he tenido el placer de disfrutar, entre el curso pasado y éste, todos ellos de diferentes grupos y promociones, y no puedo por menos que decir que el resultado también ha rozado la excelencia, lo que dice mucho no solo de estos chicos de 3º DE INTERPRETACIÓN Y 3º DE ESCENOGRAFÍA, sino también de sus profesores.

En esta ocasión, con la adaptación libre que MIGUEL DEL ARCO y AITOR TEJADA realizaran allá por 2009 de la conocida obra de Luigi Pirandello Seis personajes en busca de autor, titulada LA FUNCIÓN POR HACER. También a ellos hay que darles los parabienes. Leer el resto de la entrada »

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A la salud de ‘Juan -de Mesa- del Gran Poder’


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: EL HOMBRE QUE ESCULPIÓ A DIOS
AUTOR: Fernando Carrasco.
COMPAÑÍA: La Contenida.
REPARTO: Juan Collantes de Terán Donoso (Juan de Mesa), Pedro García Mendoza (Juan Martínez Montañés), Mario Boraita (Gamazo) y Candela Cruz (María Flores).
DIRECCIÓN: Gustavo A. García.
GUIÓN Y DRAMATURGIA: La Contenida y Fernando Carrasco
MÚSICA Y DISEÑO DE SONIDO: Francisco José Cuadrado
BOCETOS: Juan Núñez y Eugenia Collantes de Terán
ESCENOGRAFÍA: La Contenida.
EQUIPO TÉCNICO: Juan Valladares y Miguel Ramírez.
DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Antonio Villar.
VESTUARIO: Pepe Vázquez.
MAQUILLAJE: Marta Rodríguez Ferrete.
IMAGEN DEL CARTEL: Álvaro Rodríguez Galán.
DISEÑO CARTELERÍA: Mamen Ramírez y Mariano Mejías Garrido
GÉNERO: Drama
LUGAR: Teatro Távora (Sevilla).
DÍA: 16-3-2018
DURACIÓN: Aproximadamente una hora.
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

Una pequeña joya esta EL HOMBRE QUE ESCULPIÓ A DIOS, puesta sobre las tablas en los albores de la Semana Santa, la que nos ha ofrecido “LA CONTENIDA”; así, y no de otra forma, cabría calificarla.

Es el tercer año consecutivo que esta compañía presenta en Sevilla la adaptación teatral de la novela de FERNANDO CARRASCO, que cuenta los avatares de Juan de Mesa, circunstancias profesionales y personales, para poder dar forma, “hacer hablar”, a la que para muchos es la figura escultórica más importante de la imaginería e iconografía religiosa del Barroco y de toda la llamada “semana grande” de Sevilla: el Señor del Gran Poder.

Pese a que ya habían estado en la capital andaluza los dos años anteriores -2016 en el Hospital de la Caridad y 2017, como ahora, en el Távora- no había tenido la ocasión de disfrutar de este montaje que me llamaba la atención tanto por el propio personaje protagonista -cuyo Gran Poder, además de ilustrar año tras año la “Madrugá”, pude estudiar someramente en mis tiempos del instituto gracias a la asignatura de Historia del Arte- como por la presencia en el elenco de mi amiga CANDELA CRUZ. Leer el resto de la entrada »

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La modestia no reñida con el arte


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: LA NOCHE DIVIDIDA
AUTOR: Paloma Pedrero.
COMPAÑÍA: La Mirada Teatro.
REPARTO: Elena Viña (Sabina) y José Téllez.
DIRECCIÓN: Manuel Romero.
ESCENOGRAFÍA: Kassandra Romero y Lorena Cabrera.
COMPOSITORA: Inma Almendral del Río.
DISEÑO Y TÉCNICA DE ILUMINACIÓN: Kassandra Romero.
TÉCNICA DE SONIDO: Lorena Cabrera.
PRODUCCIÓN: La Mirada Teatro.
VOZ EN OFF: Moncho Sánchez-Diezma.
GÉNERO: Comedia dramática
LUGAR: Sede Viento Sur Teatro (Sevilla).
DÍA: 3-3-2018
DURACIÓN: Aproximadamente 50 minutos.
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

Es bastante fácil, hasta cierto punto, acercarse a cualquier espacio teatral mínimamente renombrado para ver algún trabajo de cualquiera de las compañías profesionales más reputadas a nivel nacional. En esos casos, no siempre pero sí como norma general, uno sabe que va a asistir a espectáculos cuya calidad suele estar bastante acorde tanto con el nombre de la compañía en cuestión como del texto llevado a las tablas.

Pero cualquier amante del teatro debería de vez en cuando dejarse caer por esos otros espacios más allá de los grandes escenarios -y Sevilla no es Madrid, pero aquí también hay bastantes de ese tipo-; o frecuentarlos, directamente. Si no lo hace, a mi modo de ver estaría cometiendo un error, porque en más de una ocasión se encontraría con gente que, sin tanta experiencia, sí que destila arte por los cuatro costados.

Es el caso de LA MIRADA TEATRO, compañía emergente -haciendo también alusión al ciclo teatral organizado por Viento Sur Teatro- de reciente creación en la que la juventud, valía y ganas de trabajar de sus componentes deberían darles un futuro más que prometedor en las artes escénicas, bien como el grupo que ahora son, bien por separado.

Estos chicos, brillante cantera de la Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Sevilla, nos han ofrecido durante este fin de semana su versión de LA NOCHE DIVIDIDA, texto de Paloma Pedrero en el que predomina el género dramático, presentado con buenas dosis de comedia. Leer el resto de la entrada »

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Contra el horror… y al corazón


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: TOSKA
AUTOR: Basada en textos de Juan Carlos Rubio, Raúl Cortés, Gracia Morales, Ángela Liddel, Laila Ripoll, Wajdi Mouwad, Alberto Conejero, Svetlana Aleviévich, Eduardo Chivite y Dulce Chacón.
COMPAÑÍA: Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Sevilla (Talleres de Fin de Estudios de 4º de Interpretación y de 4º de Escenografía).
REPARTO: María de Vicente, Bartolomé Álvarez, Izarbe Bernal, Juan del Junco, Cristina Jardi, Amelia Flores, Tania Parejo, Lara Grados, Olga Navalón, Marina García, Bel Jurado y Julia Portela.
DIRECCIÓN: Mar Rodríguez y Zoraida Sánchez (Profesoras del taller de Interpretación).
DRAMATURGIA: Mar Rodríguez.
DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA: Alumnos de 4º curso (Espacio Escénico, Iluminación; Vestuario; Espacio sonoro y Utilería); Triana Mata, Carlos Chacón, Loreto Atienza, Nelson Salinas y Manuel Cid (Creación Colectiva).
PROFESORADO: Mar Rodríguez y Zoraida Sánchez (Interpretación); Emma Alonso (Voz); Magüi Frade (Cuerpo); Mar Aguilar, Ana Arcas, Emi Caramé y Ramón Ortega (Escenografía).
LUGAR: Teatro Central (Sevilla).
DÍA: 16-6-2017
DURACIÓN: Aproximadamente 80 minutos.
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

Un mensaje que cala. Un mensaje que llega hasta lo más profundo. Un mensaje que huye de lo demagógico y que nos abre de nuevo los ojos ante parte de lo peor del ser humano.

Así despiden sus estudios los alumnos de 4º DE INTERPRETACIÓN y de 4º DE ESCENOGRAFÍA de la ESCUELA SUPERIOR DE ARTE DRAMÁTICO (ESAD) de Sevilla, con un montaje coral en el que nos muestran el horror de las guerras, de las fronteras –sobre todo en tiempos de conflicto bélico-, de la violencia humana en sí y de lo absurdo a veces del sometimiento a las leyes por encima de las personas.

El centinela capaz de intentar matar a un niño sólo porque se acerca a su particular paso fronterizo; los reparos y el miedo de dos personas, dos víctimas de guerra que alivian sus penas en un punto neutro, miedo a hablarse sólo por pertenecer a bandos opuestos… son algunos ejemplos de las situaciones que estos chicos, bajo la dirección de Mar Rodríguez y Zoraida Sánchez, llevan a escena adaptando textos de varios autores.

Todo ello agrupado en una palabra, “Toska”, vocablo ruso sin traducción literal pero que evoca sensación de desolación, vacío, impotencia, desesperanza, incertidumbre, soledad, olvido, miedo…en definitiva, es “esa palabra que no debería existir”, según la definen muy acertadamente ellos mismos en el programa de mano. Leer el resto de la entrada »

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El teatro por amor al arte


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: AMORE MÍO y LOLA’S LOVE ACADEMY
AUTOR: Varios
COMPAÑÍA: Estudio de Actores Acontracorriente Teatro
REPARTO: Ana García, Juan Vela, Lola Moreno, Manuel Vicent, Rocío Arias, Pepi Illanes, Lolo Jiménez y Yolanda Curtis
DIRECCIÓN: José Luis Pérez
LUGAR: Palacio de los Marqueses de La Algaba (Sevilla)
DÍA: 27-5-2017
DURACIÓN: Algo más de una hora
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

No hay focos; no hay glamour; no hay alfombras rojas de ningún tipo. Pero sí que hay pasión, y amor por salir a las tablas para comerse el mundo, aunque no haya dinero de por medio. Es el teatro amateur, el teatro por amor al arte -nunca mejor dicho porque arte también hay, y del bueno- el que se puede ver en la I Muestra de Teatro Participativo, una acertada iniciativa que se extiende en Sevilla hasta el próximo 25 de junio, y que acerca el teatro tanto a todos los públicos como a todos los artistas, en un escenario como el Palacio de los Marqueses de La Algaba, señero donde los haya –aunque, dependiendo del día, también con algún que otro inconveniente-.

Todo ello gracias a compañías como por ejemplo el estudio de actores de la compañía Acontracorriente, dirigido por José Luis Pérez, cuyos alumnos se han llevado toda una temporada trabajando para poder dar rienda suelta a su pasión y a sus dotes interpretativas. Y cuyo resultado ha sido la puesta en escena de las dos piezas con las que nos obsequiaron en la noche sabatina de ayer, día 27 de mayo.

La primera, Amore Mío, una selección de escenas escogidas de diferentes títulos, con los pormenores del amor como nexo de unión y una introducción con reminiscencias de la mitología grecolatina. Y la segunda, Lola’s Love Academy, con lo que podría ocurrir en cualquier academia de baile en la que el amor, los intereses y la necesidad personal entran en juego hasta llegar a un emocionante final. Esta última, presentada poco antes de final de 2016 en el Centro Cívico San Julián. Leer el resto de la entrada »

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‘Vivir como cerdos’: la ESAD y su excelente cantera


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: VIVIR COMO CERDOS
AUTOR: John Arden
COMPAÑÍA: Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Sevilla (Talleres de 3º de Interpretación y de fin de estudios de Escenografía)
REPARTO: Rubén Fernández (Sailor), Ana Ramos (Rachel), Julio José Carmona (Col), Alba Ruiz (Sally), Klaudia Kwdowczak (Daffodil), Ana María González (Vieja Croacker), Manuel González (Sr Jackson), Sarah Isabel López (Sra Jackson/Sargento), Gema Abad (Doreen Jackson/Rosie) y Pedro Martínez (Blackmouth/Oficial).
DIRECCIÓN: Mercedes Serrano
DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA: Alumnos de 4º curso
ASESORA DE CONSTRUCCIÓN, MONTAJE, PLANIMETRÍA Y SONIDO: Yanira Muñoz
ASESORA DE VESTUARIO: Lorena Cabrera
ASESOR DE ILUMINACIÓN Y DISEÑO GRÁFICO: Luis Miguel Bernal
ASESORA DE PRODUCCIÓN: Kassandra Romero
ASESORA DE AUDIOVISUALES: Valentina Travaglini
VESTUARIO: María Dolores Piña
PROFESORADO: Mercedes Serrano (Interpretación), Emilia Caramé (Iluminación), Mª del Mar Aguilar (Técnicas Escénicas), Ana Arcas (Técnicas Gráficas), María José Sánchez-Ramade (Técnica Vocal), Magüi Frade (Expresión Corporal) y Ramón Ortega (Producción).
LUGAR: Escuela Superior de Arte Dramático (Sevilla)
DÍA: 29-3-2017
DURACIÓN: Aproximadamente dos horas
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

La Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Sevilla continúa dando a luz excelentes promociones de futuros profesionales de las artes escénicas. Si los alumnos de 4º de Interpretación nos obsequiaron recientemente con la emoción y el sentimiento de De Yerma a Los Palos, en absoluto es menor la calidad del trabajo presentado en estos días por los chicos de 3º de Interpretación y 4º de Escenografía.

Combinación ésta cuyo resultado ha sido sobresaliente al llevar a las tablas uno de los títulos del dramaturgo inglés John Arden, VIVIR COMO CERDOS, tal vez el más conocido, en el que se refleja la convivencia de dos familias: los Jackson, “familia bien”, teóricamente modélica; y los Sawney, más marginales y de comportamiento y costumbres un tanto más salvajes. Y, sobre todo, las andanzas de esta última en un entorno, las VPO, que no es el suyo, y al que sus miembros han llegado, digamos, de manera forzosa.

Desde el primer momento hasta el último de las casi dos horas de representación, se puede comprobar cómo todos y cada uno de los chicos se meten estupendamente en los personajes asignados -pijos y arrabaleros-, tanto por su declamación como por sus ademanes sobre el escenario. Calidad en general, y versatilidad que se puede observar muy especialmente en aquellos que doblan papel, en especial Gema Abad, capaz de meterse no sólo en la piel de las rebeldes Rosie Sawney y Doreen Jackson -distintas formas de rebeldía, pero rebeldía al fin y al cabo- sino que también es capaz de exhibir su extraordinaria voz interpretando de forma magistral uno de los temas musicales.

Pero no quiero hacer de menos al resto de actores: el torrente del viejo Sailor (Rubén Fernández); la sensualidad de Rachel (Ana Ramos) y Daffodil (Klaudia Kwdowczak); los ademanes “chilindrinescos” de Sally (Alba Ruiz); el promiscuo macarreo del joven Col (Julio José Carmona); la demencia de la Vieja Croacker (Ana María González); la hipocresía y debilidad carnal latente en el señor Jackson (Manuel González); el carácter un tanto controlador de la señora Jackson (Sarah Isabel López), incapaz al mismo tiempo de ver lo que sucede más allá de sus narices; el carácter peligroso y enloquecido de Blackmouth (Pedro Martínez)… todo el elenco está de notable hacia arriba a la hora de dar vida a sus respectivos personajes. Leer el resto de la entrada »

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Doctorado para los chicos de la ESAD


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: DE YERMA A LOS PALOS
AUTOR: Concha Távora, basándose en textos de Federico García Lorca y Salvador Távora
COMPAÑÍA: Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Sevilla
ELENCO: Soraya Estévez, Conso Muñoz, Alba Núñez, Esperanza Querino, Chema Bascón, Juan Carlos Vergara, Marta Infante, Fran Caballero, Susana Villegas, María Marín, Anabel Batlles, Patricia Salgado, Candela Cruz (Alumnos de 4º de Interpretación), Paco Maya (Percusión), Juan Ramírez (Guitarra) y Sara Holgado (Cante).
DIRECCIÓN: Concha Távora
LUGAR: Teatro Távora (Sevilla)
DÍA: 8-3-2017
DURACIÓN: Aproximadamente hora y media
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

Desconozco personalmente si el espectáculo que se vio ayer en el Teatro Távora conllevaba calificación académica alguna; supongo que sí, no obstante, al tratarse del taller de fin de estudios. Pero de ser así no me cabe duda que los alumnos de la Escuela Superior de Arte Dramático (ESAD) de Sevilla deberían llevarse la nota más alta de todas por el excelente montaje DE YERMA A LOS PALOS, con el que tan brillantemente homenajean tanto a Federico García Lorca como también a Salvador Távora, y con el que anoche nos deleitaron en su preestreno.

De un lado, el espíritu de Yerma, una de las tres partes de la llamada “trilogía lorquiana” junto a las no menos míticas Bodas de Sangre y La casa de Bernarda Alba; de otro, la denuncia que el maestro Távora, anoche en primera fila en el espacio que lleva su nombre, hizo en 1975 con Los Palos del asesinato del poeta granadino. Un espectáculo eminentemente flamenco, coral y multidisciplinar, mezclando algunas de las principales artes escénicas, cada cual con su parte destacada y complementándose a la perfección todas ellas entre sí. Leer el resto de la entrada »

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En recuerdo y homenaje a los Monty Python


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: MISIÓN FLORIMÓN
AUTOR: Sacha Danino y Sebastien Azzopardi
COMPAÑÍA: Producciones Marcelo Casas
REPARTO: José Carrillo, Cristina Goyanes, Marcelo Casas, Santiago Molero y Jesús Cabrero
GESTIÓN Y PRODUCCIÓN: Laura Santana (Producciones Marcelo Casas)
DIRECCIÓN: Yllana (Joe O’Curneen)
LUGAR: Teatro Quintero (Sevilla)
DÍA: 6-12-2014 (Sesión de las 19:30)
DURACIÓN: Aproximadamente hora y media
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

Se presentaba en el Teatro Quintero, tras varios meses de éxito en Madrid y otras ciudades españolas, esta Misión Florimón, calificada como una “original y sorprendente comedia (…) al estilo de los Monty Python”. Una especie de cómic teatral que vio la luz gracias a una pareja de disparatados -en el buen sentido- dramaturgos franceses, y que ha sido adaptada por Producciones Marcelo Casas a una época tan controvertida de la historia de España, como la del final de los Austrias.

El rey Carlos II, el “Hechizado”, ante su incapacidad para generar descendencia que asegure la supervivencia de su dinastía en el trono, recurre a la ayuda musulmana para evitar que eso ocurra, y así que todas sus posesiones caigan en manos de los franceses. Para ello no le queda más remedio que confiar en el bufón de la corte, el valiente Florimón, sobre el que recae la misión de llegar hasta Constantinopla, contra viento y marea, y desafiando toda clase de peligros e inconvenientes.

Peligros que, como el lector estará empezando a imaginar, no se corresponden sino con los diferentes gags y situaciones generados tanto en la mente de los autores y de los adaptadores. Poco a poco, el “camino” de Florimón va calentándose humorísticamente hasta, como decíamos al principio, convertirse en un más que notable homenaje a los Graham Chapman (que en paz descanse), John Cleese o Eric Idle, entre otros; mitos donde los haya dentro de la surrealista comedia teatral del absurdo. Una ruta mostrada a modo de viñetas de tebeos que, con música, bailes y constantes anacronismos referidos a la época actual, da de sobras para el lucimiento personal de los cinco actores.

Especialmente Marcelo Casas y Santiago Molero que, junto a Jesús Cabrero, dan vida a más de diez personajes por barba. La vis cómica de Casas era de sobras conocida por un servidor, gracias a éxitos rutilantes como la hilarante Por los pelos, y a monólogos sumamente entretenidos como El marronero de amores; no así la de Molero, al que tan sólo recordaba por su papel en la popular serie Águila Roja.

Entre los dos, con la ayuda de un Cabrero que también está a la altura, se encargaron de sacar gran parte de las risas al público que llenaba el sevillano recinto ubicado en la céntrica calle Cuna. El resto de las mismas corrieron a cargo de José Carrillo y Cristina Goyanes, sustitutos aquí en Sevilla de los televisivos Canco Rodríguez y Vanesa Romero, respectivamente.

Carrillo da vida de manera notable al protagonista, Florimón, quizás, eso sí, recordando excesivamente a su antecesor y su papel del “Barajas” en la ya finalizada Aída; aspecto que probablemente haya que achacar más bien a la dirección. En cualquier caso, la reminiscencia es fidedigna al 100%. Y Goyanes, en la piel de la bella y oscura Mariflor, le da una buena réplica escénica.

Todo ello, junto a una escenografía y vestuario acorde al espectáculo, da como resultado noventa minutos de progresiva y surrealista hilaridad, con la que la asistencia se hace absolutamente recomendable en el caso de querer pasar, como así aconseja quien suscribe estas líneas, una deliciosa noche de risas en alguno de los dos fines de semana -anteriores a las fiestas navideñas- en los que los chicos de Marcelo Casas andarán todavía por la capital andaluza. Especialmente si al lector de estas líneas le gustan los Monty Python.

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Tragedia (y celos) de un gran Otelo


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: OTELO
AUTOR: William Shakespeare
COMPAÑÍA: Noviembre Teatro
REPARTO: Daniel Albaladejo, Arturo Querejeta, Cristina Adua, Fernando Sendino, Isabel Rodes, Héctor Carballo, José Ramón Iglesias, Francisco Rojas y Ángel Galán
VESTUARIO: Lorenzo Caprile
ESCENOGRAFÍA: Carolina González
ILUMINACIÓN: Miguel Ángel Camacho
MÚSICA: Ángel Galán y Eduardo Vasco. Adaptación musical a partir de R. Schuman y A. Scriabin
VERSIÓN: Yolanda Pallín
DIRECCIÓN: Eduardo Vasco
LUGAR: Teatro Lope de Vega (Sevilla)
DÍA: 7-2-2014
DURACIÓN: Aproximadamente un par de horas
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

Desdémona (Cristina Adua) y Otelo (Daniel Albaladejo)Hay quien dice, según diversas críticas y opiniones que han podido llegar a mis manos, que el OTELO versionado por Yolanda Pallín y dirigido por Eduardo Vasco para Noviembre Teatro es el mejor montaje del director madrileño en toda su carrera.

No voy a entrar en si eso es cierto o no porque, además, es realmente complicado hacer semejante determinación vista la cantidad de excelentes trabajos que están presentes en su currículum; pero lo que sí es verdad es que tanto Vasco como Pallín -versión con cambios puntuales pero notorios, aunque sin alterar alterar la esencia de la historia- han captado perfectamente el espíritu de uno de los grandes clásicos universales de Shakespeare.

La tragedia del moro general veneciano, posiblemente el paradigma -o uno de ellos- en el teatro mundial de los celos y de la falta de escrúpulos a la hora de intentar llegar al poder, aparece perfectamente conducida por un director que está apostando fuerte por el genio inglés -ya presentó, hace un par de años, su Noche de Reyes– para su nueva andadura en la compañía creada hace algo más de una década por él mismo.

Los dos protagonistas principales: Otelo (Daniel Albaladejo) y Yago (Arturo Querejeta)Y, a su vez, también por su elenco clásico, al menos en su base principal. Ello le permite al público disfrutar de un bello mano a mano entre el más que consolidado Daniel Albaladejo -de facto uno de los grandes de la escena española contemporánea-, y la ya clásica maestría de un veterano que, como los buenos vinos, sigue mejorando con el paso del tiempo: Arturo Querejeta.

Decía Albaladejo, en una entrevista concedida recientemente a Radio Amisose, que daría un ojo de su cara por actuar en The Globe. Comparto su deseo; porque si el Otelo actual ya es de por sí de lo mejor que el cartagenero ha hecho en su carrera, el grado extra de inspiración que tendría al darle vida en el mítico teatro londinense sin duda convertiría su actuación en algo rayando lo antológico.

Y qué decir de Querejeta… el perfecto Yago, el personaje que lleva el peso de la historia tanto o más incluso que el propio Otelo, manejando los hilos y urdiendo la tela de araña en la que termina atrapando a su superior para ejecutar su particular venganza. Después de la vis cómica mostrada en Noche de Reyes, Querejeta vuelve a poner de manifiesto su excepcional versatilidad como actor.

El resto del elenco contribuye también a mantener el nivel de la obra. Fernando Sendino (Casio) e Isabel Rodes (Emilia) dan, junto a la joven Cristina Adua (Desdémona) una más que notable réplica a los dos protagonistas; ayudados por un aceptable Héctor Carballo (Rodrigo); por los “desdoblados” Francisco Rojas (Dux de Venecia y Ludovico) y José Ramón Iglesias (Brabancio y Montano); y por la siempre oportuna música al piano de Ángel Galán.

Todo ello, como ya es clásico en Eduardo Vasco, con un minimalismo escenográfico que deja todo el protagonismo a los artistas para que, sin duda, cada cual dé lo mejor de sí. Una medida, una vez más, acertada por parte del madrileño. Porque así, la calidad de quienes se encuentran sobre las tablas (y esta vez también puntualmente entre el público) no hace sino brillar como es debido.

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Maravillosa “correspondencia” de Miua Teatro


CRÍTICA TEATRAL

OBRA: CARTAS
AUTOR: Borja de Diego
COMPAÑÍA: Miua Teatro
REPARTO: Mila Fernández
MAQUILLAJE: Clara Losa y Gema Barroso
DIRECCIÓN: Juan José Morales “Tate”
LUGAR: Teatro Duque-La Imperdible (Sevilla)
DÍA: 15-1-2014
DURACIÓN: Aproximadamente una hora
CALIFICACIÓN: * * * * (Sobre 5)

Mila Fernández, en "Cartas"Seis mujeres históricas y otros tantos testimonios, con sus circunstancias. La parte más desconocida y desgraciada de la existencia de nombres femeninos ciertamente conocidos cobra vida gracias al montaje que MIUA TEATRO viene desarrollando desde su estreno el pasado mes de noviembre.

Desde Cleopatra, la “reina de las reinas” del antiguo Egipto, hasta Virginia Woolf; pasando por Marie Curie, Mary Shelley, Eva Braun y Marylin Monroe. Media docena de “cartas” íntimas y personales, con la intensidad dramática y el toque personal del joven periodista y escritor BORJA DE DIEGO. Seis monólogos con diferente estilo, pero con tres puntos en común: la reivindicación de la feminidad en la historia del género humano; la importancia histórica de los personajes; y la desgracia.

Todas ellas, enfrentándose a sus propios conflictos, y a la crueldad del destino y la sociedad de sus respectivas épocas que, pese a su grandeza fehacientemente demostrada, les reservó un rol posiblemente bien distinto al que ellas hubiesen deseado. No sabemos realmente, porque difícilmente se puede, si lo expuesto sobre el papel y las tablas era exactamente lo que ellas pensaban y contra lo que ellas luchaban o intentaban luchar; pero sí queda comprobado que, con esta múltiple puesta en escena, De Diego es capaz de llegar al público gracias a su capacidad de penetrar literariamente en el interior del ser humano, y ser capaz de mimetizarse psicológicamente de forma más que acertada.

Claro que no habría bastado para el éxito de la obra de no haber sido por la excelente dirección de JUAN JOSÉ MORALES “TATE” y, sobre todo, por una fuerza de la naturaleza llamada MILA FERNÁNDEZ; una joven actriz que, visto lo visto, merece más pronto que tarde una oportunidad en el teatro profesional. Leer el resto de la entrada »

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